Integrantes

- Antonia Sepúlveda
- María Paz Briseño
- Rosario González
- Fernanda Valenzuela
- Valentina Pérez
- María Jesus Ascui
- Javiera Hoyl

Museo de la Solidaridad Salvador Allende (MSSA)

 

Comentario Citas (¿ESCUELA EDUCACIÓN MUSEO? UNA PREGUNTA NECESARIA)

CITA 1: “La escuela es un dispositivo de generación de ciudadanos-sostienen algunos liberales-, o de proletarios-según algunos marxistas-, pero “no solo eso”, la escuela es a la vez una conquista social y un aparato de inculcación ideológica  de las clases dominantes que implicó tanto la dependencia como la alfabetización masiva, la expansión de los derechos y la entronización de la meritocracia, la construcción de las naciones, la imposición de la cultura occidental, y la formación de movimientos de liberación, entre otros efectos.” (Pablo Pineau, “¿Por qué triunfó la escuela? O la modernidad dijo: ‘Esto es educación’, y la escuela dijo: 'Yo me ocupo'”, 2001).

CITA 2: “El museo es una institución al servicio de la sociedad, que adquiere, conserva, comunica y sobre todo, expone con fines de estudio, de educación y de cultura, testimonios representativos de la evolución de la naturaleza y el hombre” (Icom, Resolución Mesa Redonda de Santiago de Chile, 1972).

CITA 3: “La educación auténtica, no se hace de A para B o de A sobre B sino de A con B, con la mediación del mundo. Mundo que impresiona y desafía a unos y a otros originando visiones impregnadas de anhelos, de dudas, de esperanzas o desesperanzas que implican temas significativos, en base a los cuales se construirá el contenido programático de la educación” (Paulo Freire, Pedagogía del Oprimido, 1970).

De las tres citas elegidas se pueden extraer tres conceptos:

      1. La primera cita habla de que en la escuela se inculca una determinada ideología.

      2. La segunda habla del compromiso del museo con la educación: la entrega que le hace a esta.

      3. La ultima habla sobre la interrelación entre el profesor, el alumno y el mundo.

Elegimos estos tres conceptos porque consideramos que son la base de la relación ideal entre la escuela y el museo, ya que a través de esta los alumnos pueden ver reflejado en cosas concretas, en el museo,  el conocimiento adquirido en la escuela. A su vez el trabajo conjunto de estas dos instituciones facilita el trabajo del profesor, si el museo le da el material necesario para trabajar, tendrá más tiempo para planificar clases entretenidas en que los niños aprendan mas, la última cita habla sobre que el profesor debe trabajar con el alumno, por mediación del mundo, dentro del mundo están los museos que son una gran ayuda para que los docentes realicen bien su trabajo.

En primer lugar, es cierto que la escuela intenta inculcar una ideología y conocimiento a los individuos que forman parte de la institución. Esto puede ser apoyado por parte de los museos, quienes son capaces de aportar cultura y arte. Esta entrega puede ser aprovechada por la escuela, ya que como hemos aprendido, podemos conocer y enseñar distintos aspectos de la educación escolar a través de las obras que ahí se encuentran. Por lo tanto, se puede comprobar que los conocimientos entregados por el museo se complementan con los conocimientos entregados por la escuela, y así, logran educar individuos a partir de sus ideologías compartidas. Esto es lo que se intenta explicar con la interrelación entre estos dos agentes de la educación. 

Lo que realmente falta para que esta relación sea fructífera y se concrete más es que la escuela y el museo se pongan más en contacto y, ambos juntos, trabajen para educar individuos, ya que si no se ponen de acuerdo y no colaboran entre si, su tarea de educar se verá obstaculizada. 

Respuestas Preguntas MSSA (¿ESCUELA EDUCACIÓN MUSEO? UNA PREGUNTA NECESARIA)

1. ¿Cómo crees que debería ser la relación entre el museo y la escuela?

2. ¿Qué aspectos o elementos educativos hay en un museo?

3. ¿Qué aspectos educativos ocurren en un museo que no se consideran importantes o válidos?

4. ¿Cómo te gustaría que fueran los procesos educativos en la escuela?

5. ¿Cómo te gustaría que fuera la educación en los museos?

6. ¿Cómo y con qué elementos se educa en la escuela?

7. ¿Qué tipo de relación crees que hay entre el museo y la escuela?

8. ¿Qué elementos crees que dificultan o favorecen esta relación?

9. ¿Qué cosas ocurren en la escuela que no se consideran importantes o válidas?

María Paz Briseño

Antonia Sepúlveda

Javiera Hoyl

María Jesús Ascui

Fernanda Valenzuela

Rosario González

Valentina Pérez

Collage Valentina Pérez

Luego de haber escuchado y aprendido mucho sobre la vida de Matisse, conocí la vida de este artista francés el cuál, fue el creador de los collages, luego de que enfermara y no pudiera sostener los pinceles tal como él lo hacía anteriormente a esto con sus mayores obras que eran las pinturas, continuó con esta nueva técnica artística hasta el final de su vida, a pesar de las dificultades motrices que tenía por su edad. Matisse definía la palabra collage como “dibujar con tijeras”.

Los collage están principalmente formados por pedazos o recortes de diferentes papeles o materiales que se quieran utilizar y son pegados sobre una superficie. Es una técnica mediante muchos artistas se relajan luego de crear sus gran obras, ya que existe una gran libre expresión al momento de la creación de estos, porque se pueden ir formando diferentes figuras, texturas, tamaños y colores, para finalmente formar una gran obra.

En mi obra quise expresar diferentes formas, texturas y colores. Los colores son de gran importancia para mí, ya que estos expresan alegría, la pueden transmitir fácilmente con sólo un contacto visual, es por eso que me base principalmente en los colores en mi collage. El diferente uso de papeles o materiales me llama mucho la atención y creo que sería una buena técnica para llamar la atención de los niños, esta obra está conformada por cartulinas simples de colores, cartulinas “selváticas” y goma eva.

Me encantó esta actividad de pescar un pedazo de papel y tijeras, y dejar que la creatividad te lleve a formar diferentes figuras para luego ir pegándolas sobre otra superficie, finalmente sólo necesitas unos materiales muy simples y mucha creatividad.

Collage Javiera Hoyl

Yo elegí hacer este collage para representar la vida salvaje. Siempre me ha llamado la atención la vida de estos animales, así que para demostrar esto quise hacer un collage desordenado y con pieles de estos animales de la selva. La vida de los animales es una que hay que respetar y no pasar a llevar porque sin ellos no podríamos hacer muchas cosas, es por esto que mi reflexión va de la mano con la evolución humana, la vida de los animales y la interrelación nuestra existencia.

En mi opinión, a pesar de que estamos más evolucionados no podemos olvidarnos de nuestro principio y de dónde provenimos: los animales. Eso es algo que tenemos que controlar y respetar. El problema cae cuando la gente no lo hace y por eso es que se ve la violencia, cosa que es muy frecuente en nuestra época. La gente se está dejando llevar mucho por esto, y a pesar de que es nuestro inicio tenemos que de cierta manera reprimirlo pero a la vez respetarlo, ya que los animales van a ser parte de nuestra vida desde nuestros inicios y hasta que nosotros no estemos. No podemos pasarlos a llevar, los tenemos que cuidar y respetar porque al final nosotros venimos desde la posición que están ellos. Por otro lado, no podemos comportarnos como animales salvajes, somos seres humanos con valores y actitudes que los animales no tienen, es por esto que debemos mostrar y seguir estos valores y actitudes para poder guiar a la “raza humana” por un buen camino.

En conclusión, los animales no han dado herramientas para poder formar nuestra existencia. Nos han enseñado algunos valores, por ejemplo, la unión de familia, que se puede ver claramente en animales como los leones y los elefantes. Tenemos que aprovechar esto que nos han dado, para así mejorarlo y llevarlo a la práctica como seres humanos formados.

Collage María Jesús Ascui

Estábamos en clases y la profesora nos dijo que teníamos que hacer un collage ahí mismo. La verdad, es que yo no tengo talento artístico y no sabía de dónde sacar inspiración para hacer esto. No sabía qué podía hacer ni en qué basarme, hasta que me acordé que los artistas, o la mayoría de ellos, al ejecutar una obra, se basan en la espontaneidad. Es por esto que, mientras conversaba con mis compañeras sobre cualquier otro tema, yo recortaba cartulinas, papeles y luego, los pegaba de la manera más natural y espontánea en un block.

Al terminar la clase, había hecho mi propia obra. La observé un largo rato, y me di cuenta de que no tenía ni la más mínima idea de lo que había hecho. Volví a observar mi obra varias veces tratando de visualizar algo. Hasta que de repente, noté que lo que había formado era un acuario. Ahora lo entendía todo. En clases, antes de que cada una de las alumnas comenzara particularmente sus obras, la profesora nos había mostrado algunos collages hechos por otras personas. Al verlos, me pareció que todos tenían relación con el mar, pues había unas figuritas que se parecían mucho a un coral del océano. También, había varias formas que se parecían a los peces y a las algas del mar. Es por esto, que me di cuenta de que mi primera acción en la obra, fue hacer una figurita con cartulina roja, que a mi gusto, se parece a un coral. Luego, comencé a recortar más y más cartulinas, dándole al block forma de acuario. Un acuario bastante extraño la verdad. Pero fue en figuritas del mar, en las cuales me basé haciendo esta obra. Ahora, al contemplar mi obra, veo un acuario, pues los bordes del block están marcados por cartulinas haciendo referencia al marco de un acuario. Adentro de estos marcos, está la gran figura roja que para mí, es un coral. Luego, están los peces, los cuales son triangulitos verdes, rectángulos azules y celestes, y cuadrados y rectángulos amarillos. Y finalmente, una planta marina al costado derecho del block, con letras de diario.

Haciendo esta obra, aprendí que, para hacer arte, no es necesario tener talento artístico, sino tener una mentalidad de que el arte puede llegar a todos y que si uno utiliza la creatividad y la espontaneidad, puede hacer su propia obra de arte, sin importar si es o no artista. Aprendí que lo que más importa en una obra de arte, no es la estética, sino algo que va más allá, algo que explica el por qué el autor de tal obra ejecutó algo como eso.

Collage Fernanda Valenzuela

Con este collage, quise orientarme en como las manchas negras, similares a las de Matisse pueden servir como "Test de Rorschach". Los niños son capaces de representar cosas increíbles simplemente distinguiendo diversos objetos y personas en unas simples manchas. El test, consiste en analizar la personalidad de una persona mediante manchas observadas. Matisse, al educar a los niños con estas figuras, puede transmitir las características psicológicas del mismo. Con este collage, mezclo las distintas visiones que un niño o cualquier ser humano puede apreciar, simplemente observando una mancha. Esta forma nos ayuda como profesoras a orientarnos y poder conocer la mente de nuestro alumno. Quise que estas manchas estuvieran encima de cuadrados de muchos colores, representando la mente humana, por un lado racional, en este caso en blanco, y por otro lado el sentimental, en el caso de los colores.

Collage Antonia Sepúlveda

El collage fue una forma de desintoxicación y liberación para Henri Matisse cuando ya estaba muy enfermo como para pintar con pincel. Esta obra fue una nueva forma de pintar, la que le mostraba mucho más allá del arte que hacía antes.

Esta información me llevó a pensar que Henri Matisse expresaba sus sentimientos mediante estos recortes y fue eso mismo lo que yo quise hacer.

En mi representación quise demostrar lo que es la vida, en el centro se muestran los cuatro colores de casa espacio, el azul, el morado, el rosado y el amarillo, demostrando así que la vida se compone de distintos momentos y sentimientos.

El color azul muestra la tristeza, esos momentos cuando nada te hace sentir bien y no hay buenas noticias que te alienten a seguir adelante. El morado muestra la agresividad, la furia, esos momentos de estrés y colapso, cuando nada te sale bien y todo parece desmoronarse con errores. El rosado muestra la alegría, la felicidad, cuando todo marcha bien y no hay nada de que quejarse, cuando no hay nada más que quisieras desear. Por último el amarillo, el que representa la paz y serenidad, cuando todo está equilibrado y te sientes tranquilo con tu actuar y tu vida.

Todos los momentos nombrados anteriormente tienen algo que seade otro   espacio, por ejemplo, en el cuadro morado hay papeles rosados que se parecen a los que se muestran en los momentos de alegría. ¿Qué quiero decir con esto? En la vida siempre hay un poco de todo, uno no siempre está triste y depresivo, hay cosas que te traen alegría y te permiten olvidar lo malo, nunca todo es malo o bueno, siempre hay un poco de todo... Eso es la vida, tristeza y alegría, por eso la persona (azul) se muestra en el cuadro amarillo, ya que ahí se encuentra la paz y el equilibrio, ahí se muestra un poco de todo.

Collage María Paz Briseño

Hice este collage pensando en algo muy concreto y buscando representarlo de la mejor manera posible: la vida. Mi collage busca mostrar el paso del tiempo, la primera parte es la infancia donde somos inocentes y todavía tenemos mucho por aprender, luego va avanzando hacia la adolescencia, donde somos el centro de nuestro mundo y nos cuesta mirar más allá de nosotros mismos, esto esta representado por el triángulo(nosotros) dentro de la flor(el mundo), tras esta etapa viene una época en la que nada ni nadie nos para y nos sentimos invencibles, lo podemos hacer todo o eso creemos, es una etapa en la que no siempre nos estamos moviendo, hay algo que hacer para cada minuto del día, pero esto no dura para siempre, empezamos a madurar, a tener más responsabilidades y a pensar más en lo que queremos hacer con nuestras vidas, algunos forman una familia, otros prefieren dedicarse totalmente a la vida laboral, etc. En esta etapa en la que ya somos adultos es cuando llegan las mayores dificultades, representadas por el relieve en el tercer cuadro de la segunda fila, las cosas que nos preocuparon antes nos parecen insignificantes, pero a pesar de estos grandes problemas se sigue adelante y que la vida tenga altos y bajos no significa que no podamos ser felices a lo largo de ella, estos problemas son necesarios en cierta forma para hacernos crecer y ser cada día mejores y así nos acercamos a la etapa final, una época de nostalgias, de buenos y de malos recuerdos, de disfrutar a los nietos en algunos casos, un poco más solitaria en otros, puede ser una etapa de arrepentimientos e inquietudes o una etapa de regocijo y tranquilidad.

Collage Rosario González

Considero que a través de un collage se pueden representar un montón de cosas, ya que se puede tener una gran variedad de colores, diseños y texturas, que permiten desarrollar diferentes conceptos. Los que yo quise representar son:

1. La tristeza

2. La euforia

3 y 4. La locura

5 y 6. La asimetría

Todos estos conceptos mirados desde la perspectiva del artista.

Con respecto a los dos primeros, son sensaciones o sentimientos muy comunes al momento de ser artista o por lo menos así se representan ante la sociedad. Los colores que utilicé van de acuerdo a estos dos sentimientos.

Para el tres y el cuatro decidí utilizar formas y colores que produjeran un contraste o relieve, lo que podría parecer un sin sentido, sin embargo no es así. Lo que busco es representar esta falta de sentido de los artistas a los ojos del espectador, pero que si se analiza tiene unidad y concordancia.

Por último en las dos partes restantes quise representar la falta de simetría y perfección que puede haber en una obra de arte sin que necesariamente este mal, sino que es una forma de representación y estilo muy usado y popular, que se puede extrapolar a la vida del artista, los cuales pueden tener una gran asimetría entre su trabajo y su vida.

Reinterpretación Fernanda Valenzuela

“Retrato de Lydia Delectorskaya”

Henri Matisse

Para la reinterpretación del cuadro: “Retrato de Lydia Delectorskaya” de Henri Matisse, quise orientarme en “las caras de una moneda”. Como mujeres, muchas veces caemos en el vacío, donde nos angustiamos con facilidad cuando no salen las cosas como esperamos que pasen. Personalmente creo que el equilibrio es lo que nos hace funcionar de manera más eficaz, la tranquilidad con la agilidad; la paciencia con la rapidez, el carisma con la introversión.

Los que nos hacen desempeñarnos mejor, por lo mismo quise utilizar símbolos del ying y el yang, donde los colores antónimos se fusionan y crean a una misma persona que trabaja ambos lados y puede mostrar una conexión en ambos hemisferios. Esta mujer representa tonos opuestos pero que sin embargo se unen en sus rasgos faciales como la boca, la nariz, las cejas y los ojos. Por otro lado, el fondo es colorido mostrando otro tipo de mujer, la mujer que es vacía, representada en los tonos blancos, con la mujer completa en los tonos oscuros. La mujer vacía muestra desinterés por lo que le rodea, solo se interesa por temas personales o ambiguos, mientras que la mujer más integra, conoce y aprecia su entorno exterior, viviendo con los demás y no para los demás. En la mujer completa encontramos como aprecia la fugacidad de la vida, aprovechando cada instancia para aprender, conocer y reflexionar sobre lo que pasa frente a sus ojos. Debemos convertirnos en esta mujer, quien no deja pasar ninguna oportunidad para seguir aprovechando lo que vive. Bueno, quise representar ambos temas que hoy en día representan lo que soy: mujer. Por un lado, me interesa unir destrezas y actitudes opuestas para equilibrarme como persona, y por otro lado, demuestro dos tipos de mujeres y como cada una de ellas hoy se desenvuelve en su entorno. ¿Cómo quiero ser? Completa, poder inhibir cada instancia para crecer y volverme una persona más integra, ya que a pesar de no poder extraer cada información del planeta, por lo menos las que se me presenten, agarrarlas y sacar de ello, un buen provecho.

Reinterpretación Rosario González

"Lily Bush"
Vincent Van Gogh

De entre las obras que podíamos elegir, en general aquellas que representan paisajes captan más mi atención, esto porque me gusta el hecho de sin haber personas que lo contextualicen, uno puede ambientarse en este, insertarse y darle una propia interpretación.

Es por esto que elegí este cuadro de Vincent van Gogh. Esta obra en especial me gusto por el tipo de paisaje que abarca, por sus elementos naturales y por la forma en que lo pinta.

Decidí utilizar varios tipos de materiales para crear mi re interpretación, ya que con estos se pueden lograr diferentes efectos y justamente eso es lo que pasa en la naturaleza, hay distintos tipos de texturas, colores, sensaciones. El cielo no es azul, el pasto no es verde, sino que estos elementos de la naturaleza pueden cambiar totalmente y eso es algo que valoro mucho del cuadro de van Gogh. El hecho de que se puedan ver distintas tonalidades y sensaciones. A Pesar de no ser un cuadro realista, logra este efecto que quise representar en esta re interpretación.

Finalmente, en mi re interpretación quizá dibujar algo que estuviera basado en la obra de Van Gogh, intentando, como mencioné anteriormente, con distintos materiales como acuarelas, lápices de colores y pasteles, para lograr darle ese toque de diversidad que está presente en la naturaleza y que van Gogh logra interpretarlo muy bien.

Reinterpretación María Paz Briseño

"Window on Tahití"
Henri Matisse

Elegí la obra “Window on Tahití” de Henri Matisse para hacer mi reinterpretación. Esta obra llamó  mi atención por que la encontré distinta a todas las demás, es un dibujo hecho con lápiz grafito,aparentemente rápido, por lo que da la impresión de ser un borrador.

Cuando vi la obra pensé que parecía hecha para ser re interpretada; para que quien la viera, cambiara lo que quisiera, haciendo su propia versión de esta misma. Prácticamente eso fue lo que yo hice, dibuje lo que veía  y luego le puse lo que estimé conveniente. Decidí dejarlo así, algunas partes pintadas y otras dibujadas, buscando representar los distintos matices de la vida, no hay solo días buenos o solo días malos, hay ambos, y mas aun, hay días que no son lo uno ni lo otro, por esto también los árboles de un lado parecen en verano y los otros en invierno, al hacerlo así no buscaba mostrar solo las estaciones sino los distintos estados de ánimo, los distintos momentos que se van viviendo a lo largo de la vida y que nos van formando y van definiendo nuestra forma de ver la vida: solo en tonos grises o con color.

Al hacer la reinterpretación también me plantee un desafío personal: en general soy bastante perfeccionista y hago las cosas varias veces antes de quedar contenta con el resultado, esto puede ser bueno ya que me exijo, pero también a veces llega a ser un poco exagerado, por eso decidí  hacer mi obra sin hacer correcciones y aunque no fue fácil lo logré y estoy feliz con el resultado obtenido.

Reinterpretación Valentina Pérez

"Vase of Sunflowers"
Henri Matisse

Yo quise reinterpretar el cuadro del famoso pintor Henri Matisse, llamado el jarrón de girasoles, pintado en Francia entre 1898 y 1899, esta pintura forma parte de la  colección de Arte Europeo.

Lo que más me motivo a elegir este cuadro es el girasol, la cual es mi flor favorita, me encanta por la similitud que tienen todos sus pétalos a pesar de que sean millones en sólo una flor y sobre todo las diferentes formas que pueden crearse en los centros de la flor con los pistilos. Otra cosa que me llama mucho la atención de estas flores es el gran tamaño que puede llegar a alcanzar.

Mi reinterpretación tiene que ver con querer darle un sentido más infantil a este cuadro, ya que el real está pintado sobre un lienzo y con óleo, por mi lado utilicé diferentes materiales para llevarlo a cabo y hacerlo más simple, y a la vez más entretenido. Está conformado una base con una hoja de papel y luego recortes de cartulinas, lápices de colores y lápices pasteles.

Con esta reinterpretación me gustaría mostrarles a los niños que existen diferentes tipos de materiales y que las obras se ve mucho más entretenidas, originales y diferentes, con más materiales del original, que no siempre hay que seguir las reglas, si no que se puede tener una mente más abierta y amplia para crear nuevas obras, que utilicen sólo sus cabezas para hacer una creación como ellos quiera.

Reinterpretación María Jesús Ascui

"Woman in the garden"
Claude Monet

¿Por qué elegí esta obra?

Personalmente, me gusta mucho el Impresionismo porque es una forma de apreciar la naturaleza, ya que el artista pinta y representa un paisaje en ese mismo instante. El impresionismo se caracteriza principalmente por la espontaneidad de los artistas al ejecutar una obra. Esto, considero que es increíble y que hay que apreciarlo mucho, debido a que el arte espontáneo es lo que realmente el artista estaba observando en el instante en que realiza la obra.

No solo hay que apreciar la espontaneidad de una obra impresionista, sino que además, este movimiento artístico intenta plasmar la luz, va más allá de las formas de una identidad propia. Al artista impresionista, lo que más le interesa, es el reflejo de la luz, y no pintar de manera perfecta una figura. Es por esto que, en las obras se resaltan mucho los colores y las pinceladas, todo realizado en el instante y sin preparación previa. Además, las obras de este movimiento, son muy hermosas, ya que reflejan paisajes naturales y escenas costumbristas.

De todos los artistas del Impresionismo, escogí a uno de los más reconocidos, Claude Monet. Sus obras me fascinan, ya que realiza cuadros que representan paisajes naturales de extrema belleza e ilustra esencas costumbristas de su época, en el caso de la obra “Woman in the Garden”, una mujer que pasea en un colorido jardín lleno de flores, con una vestimenta propia de la época. De este gran artista, escogí especialmente esta obra, debido a que me llamó mucho la atención el colorido del jardín, los cuales dan la impresión de felicidad y alegría, ya que Monet utiliza unos colores bastante fuertes. El que la mujer representada esté sola, muestra un poco de soledad, pero también, tranquilidad, porque se ve que al caminar por el jardín, va contemplando la naturaleza y disfrutando del aire libre. Al ver este cuadro, me dan ganas de estar allí, al igual que esa mujer, disfrutando de los colores del pasto, los árboles y de las flores. Es por esto, que quise reinterpretar esta obra, porque me da una sensación de paz y tranquilidad, y además, alegría, debido a los llamativos tonos de los colores. 

Reinterpretación Antonia Sepúlveda

"Mujer peinándose"
Edgar Degas

Degas es un artista que se caracteriza por sus obras de bailarinas de ballet. Al ver esta obra “Mujer peinándose” me sorprendió mucho enterarme que era de él, ya que no era ni similar con el resto de las obras que había visto.

Investigué un poco acerca de este tipo de obras y es que Degas además de retratar las escenas de danza, se especializó en retratar escenas de mujeres en su vida íntima. En su serie de “las bañistas”, el pintor retrató distintas situaciones de las mujeres en su habitación, peinándose el cabello, secándose, saliendo del baño, etc. En todas estas pinturas el artista no retrata las caras de las jóvenes, sino que se interesa más por las espaldas y sus largos y finos cabellos.

Decidí re interpretar esta obra ya que Degas es un artista que siempre me ha gustado y conocer esta faceta nueva de él me pareció muy interesante.

Por otro lado, pensé que nadie de mi clase se atrevería a hacer algo como un cuerpo humano, ya sea por lo difícil que podría haber llegado a ser o por pudor, fue por eso que decidí hacer esta obra como un reto. También soy una persona que le encanta el arte y es por eso que siempre me ha gustado mucho retratar personas, pienso que es muy interesante el tema de los rasgos, las sombras y en especial en esta obra, el hecho de que sea algo tan común y natural.

Degas era un pintor que le gustaba ir más allá, era vanguardista y le gustaba todo lo que significara modernidad, por eso me parece un artista especial, el cual me llama mucho la atención. 

Reinterpretación Javiera Hoyl

"Head of a Bull"

Henri Matisse

Esta obra es un dibujo de la cabeza de un toro hecho por Henri Matisse. En primer lugar, me identifiqué con el toro porque mi signo del zodiaco es Tauro, esto me llamó la atención para realizar mi reinterpretación sobre esta obra. 

Quise realizar esta reinterpretación porque encuentro que lo más representativo de un toro son sus cachos, por esto pinté de rojo esta parte de su cabeza. Elegí el rojo porque muestra agresividad e intensidad. Este color también identifica el poder de este animal, ya que es uno que se impone y al cual se le infunde respeto. Por otra parte, quise pintar el resto de la cabeza con colores un poco más claros para así dar el enfoque a los cachos. No pinté todo del mismo color ya que encuentro que cada estructura tiene su peculiaridad, por ejemplo, pinté de color amarillo, un color más fuerte, su cara porque es ahí donde se centra todo y donde está la inteligencia de este animal, a pesar de que su estructura fundamental sean los cachos. El fondo lo pinté negro porque es un color de contraste, así la figura del toro sobresale y uno capta su atención en el toro, por eso la euforia de sus colores, pasa de un color oscuro a colores de firmeza y fuerte, tonos más fuertes. Finalmente, los ojos los pinté negros para tratar de mirar a los ojos a este animal fijamente ya que así es como el toro infunde respeto. 

Crítica Museos Nacionales e Internacionales

            Al revisar las páginas de diferentes museos, nacionales e internacionales, nos llevamos una gran sorpresa.

Nosotras creíamos que los museos nacionales eran pobres en contenido educativo, pero al investigar sobre el Museo de Arte Contemporáneo (MAC), el Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA) y el Museo de Artes Visuales (Mavi), nos dimos cuenta que en realidad estábamos equivocadas. Estos tres museos tenían varias actividades para incorporar a los niños y adolescentes al arte. También, su contenido educativo era amplio y diverso, sin dejar de lado a los profesores, de esta forma los museos les proveían material educativo para desarrollarse dentro y fuera de la instancia del museo.

En primer lugar, el Museo Nacional de Bellas Artes tenía programas para los profesores, niños y adolescentes, como diálogos con la obra que son encuentros gratuitos que organiza el área de Mediación y Educación MNBA. Estas actividades son para desarrollar conocimientos especializados para mirar, comprender y reflexionar en torno a las obras de arte. 

En segundo lugar, el Museo de Arte Contemporáneo tiene como objetivos en educación ampliar el conocimiento y la apreciación de las artes visuales, generar alianzas con docentes, estudiantes, público en general y municipalidades desarrollando actividades que promuevan la apreciación y comprensión del arte contemporáneo, proponer programas educativos sobre arte contemporáneo para diversas audiencias, tomar como base los contenidos existentes en los planes y programas del Ministerio de Educación para plantear una coherencia entre la visita al museo y el aula, y promover e incentivar el sentido de búsqueda en los diversos contenidos y conceptos propuestos en las exposiciones, con el fin de establecer en los visitantes la necesidad de relacionar elementos propios del arte contemporáneo.

En último lugar, dentro de los museos nacionales, el Museo de Artes Visuales consta con tres ramas: la formación educativa, la formación cultural e inclusión social. Dentro de la formación educativa se invita a hacer visitas participativas en las que se da material antes de la visita al museo para preparar a los alumnos y al profesor, y también cuenta con laboratorios que buscan que los visitantes se involucren más con el arte del museo. Dentro de la formación cultural se ofrecen dos programas: el de patrimonio arquitectónico y expansión de las artes. Y, dentro de la inclusión social se ofrece una visita participativa en la que un equipo de educadores, capacitados en arte terapia, guían por el museo a un grupo con capacidades diferentes, como auditivas y visuales, buscando que comprendan y sepan interpretar las obras de este museo.

En esta investigación de museos, nos dimos cuenta que los museos internacionales estaban al mismo nivel que los museos de nuestro país. Los museos que revisamos fueron los siguientes: Museo de Vincent Van Gogh de Holanda, el Metropolitan Museum y el MOMA de Nueva York, el Museo Louvre y D’ Orsay de París. En las páginas de estos museos encontramos diversas actividades tanto como para que se realicen dentro del museo o para que se realicen durante las clases en las escuelas. Dentro de las actividades realizadas por los museos sobresalen los talleres, los eventos y programas de distintos tipos. Todas estas instancias giran en torno a los programas escolares y las principales preocupaciones en la educación artística. Lo positivo de estas actividades es que fomentan el gusto por el arte a los adolescentes y niños que son los menos interesados en el tema. Queremos destacar que la actividad que más nos llamó la atención fue la aplicación de ciencias dentro del arte, realizada en laboratorios para estudiar las obras desde un aspecto más científico llevada a cabo en el Museo de Vincent Van Gogh de Holanda.

 Pensamos que a los museos nacionales les hace falta material para utilizar en los colegios sin necesariamente realizar una visita al museo. De esta forma se complementarían mejor museos y colegios chilenos en la tarea de educar. Por otra parte, pensamos que a los profesores les falta iniciativa para aprovechar las oportunidades que dan los museos en el apoyo para educar a los niños.

En conclusión, los museos nacionales tienen más material didáctico de lo que esperábamos pero aun así falta avanzar en este tema en Chile. Esto lo podemos comprobar al comparar con los museos internacionales en los que encontramos más material para la instancia de la clase y que es mejor aprovechado por los profesores.

Antonia Sepúlveda

María Jesús Ascui

Fernanda Valenzuela

Valentina Pérez

María Paz Briseño

Javiera Hoyl

Rosario González